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「ヒトラーとは何か」に真剣に答えるギャグ映画『帰ってきたヒトラー』

自殺したはずのアドルフ・ヒトラーが死に際にタイムスリップし、現代のドイツで芸人として人気を博す――という荒唐無稽な小説『帰ってきたヒトラー』。2012年にドイツで出版されると、世界中で話題となり、日本でも2014年に邦訳が発行されました。そして2015年に待望の？映画化。ドイツ国内ではディズニー映画『インサイド・ヘッド』を破るほどの成功を収めました。その映画『帰ってきたヒトラー』がいよいよ6月に日本公開されます。

この映画の試写会に参加してきましたので、簡単に感想を。ちなみに原作の方の感想はこんな感じ：

■ 【書評】『帰ってきたヒトラー』（シロクマ日報）

以下、直接的なネタバレはしませんが、あらすじや小さなエピソードの紹介を含みます。まっさらな気持ちで観たい、という方は公開後までお待ち下さい。

さて。

まず原作を読まれた方には「安心してください」とお伝えしておきます。日本語版で上下巻約500ページという長編をコンパクトにまとめつつ、原作の雰囲気を上手く映像化しています。後述するように、ラストは少し変えてあるものの、基本的な筋は原作通りになっています。

そしてヒトラーを演じたオリヴァー・マスッチの演技が素晴らしい。モノマネとしての「ヒトラー演技」もさることながら、人間としてのヒトラーの「魅力」と恐ろしさを再現していて、荒唐無稽な話でありながら違和感なく楽しむことができました。

テーマが極端な映画は「出落ち」のようになってしまい、映画としての作り込みや細部が甘くなることがありますが、この映画に関しては心配ありません。「ヒトラーを現代に蘇らせる」という濃厚な味付けに甘えることなく、ひとつの娯楽映画としても成立するように、きちんと手間暇をかけて料理している作品だと思います。さらにモキュメンタリーのように、実際にヒトラーの扮装をしたマスッチがドイツ各所を行脚し、街の人々の反応を撮影するということもしたのだとか。この「恐らく素人であろう人々の反応」が作品の随所に挟まれるのですが、それだけで多くのことを考えさせられます。

余談ですが、数あるギャグの中でも、某ヒトラー映画のパロディに大爆笑してしまいました。日本のネットでもミーム的に大流行した、あの「嘘字幕ネタ」なのですが、調べてみると世界的に流行していたネタなのですね。気合い入れてぶち込んでくるわけだ……。

ということで、純粋に映画として楽しめる一本に、余計な考察など蛇足以外の何物でもないのですが。「ヒトラー映画」である以上、それが観客につきつけるメッセージについて考えざるを得ないでしょう。

先ほど「ラストは少し変えてある」と説明しましたが、もう少しだけネタバレにならない範囲で言うと、原作よりもシリアスな終わらせ方をしてあります。また同時に、虚構と現実がより強くリンクするような仕掛けもしてあります。原作がほのめかしていたメッセージを、より強く感じさせるための改変、と個人的には理解しました。映画化されればより多くの人々の目に触れることになり、さらに小説よりも短時間でメッセージを伝えなければいけないのですから、「わかりやすくする」ための処置として必要だったのでしょう。

その改変された終盤の場面で、ヒトラーは「ヒトラーとは何か」という問いに自ら答えます。それは『帰ってきたヒトラー』という作品を通じて、実はずっと描かれている答えなのですが、それだけにヒトラーのセリフは心に重く残るのではないでしょうか。

そしてこの作品を通じて描かれるさまざまな場面は、現在の私たちが置かれている状況に他なりません。漠然とした閉塞感。政治への不信。異なる存在への恐れ。そこに「はっきりモノを言う魅力的なリーダー」が現れたら、みな彼を賞賛してしまうのではないか……。原作が発表された2012年の時点では、それはあくまで仮説にしか過ぎませんでした。しかし2015年から16年にかけて続いている米国の「トランプ旋風」などを見ていると、この作品で描かれる世界は、現実とそう遠くないのではと感じてしまいます。

ということで、原作よりもビターな味付けをし、原作以上に現実とのリンクを深め、さらには原作発表時点よりも事態が深刻になろうとしている2016年に公開される『帰ってきたヒトラー』は、本気で笑えると同時に本気では笑えないという希有な作品になっていると思います。6月の公開をどうぞお楽しみに。

芸術は誰のものなのか――映画『黄金のアデーレ』

先日久しぶりに、試写会に参加してきました。映画のタイトルは『黄金のアデーレ』。美術が好きな方はこれだけでピンと来るかもしれませんが、クリムトの名画をめぐる、ある実話に基づく映画です。

ということで映画についての記事なので、ネタバレしないように解説しますが、なるべく情報を入れずに見たいという方はこの辺りでお戻り下さい。

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古代ギリシャやエジプトなどの例を紐解くまでもなく、芸術は時の施政者や権力と強く結びついてきました。希有な美術品は国の宝とされ、時には観光資源という現実的な価値を持つ存在となりながら、丁重に保護されてきたわけです。

それだけに美術品は、力による略奪の対象にもなってきました。たとえばルーブル美術館には、ナポレオン1世の時代に諸国から集められた美術品・歴史的遺物が多数収められています。また「略奪」という言葉はふさわしくないかもしれませんが、経済的な力を持つ国や有力者が、オークションなどを通じて財力で美術品・歴史的遺物を集める場合もあります。いずれにしても、多くの人々から価値を認められる品であればあるほど、それをめぐって争いが起きてしまうわけです。そして奪われたものを取り戻そうという、美術品をめぐる返還論争もあちこちで発生しています。

難しいのは、略奪という行為が悪い結果だけをもたらすとは限らないという点です。よく指摘される点ですが、先ほどのルーブル美術館を始めとして、「力のある国に集められているからこそ、適切な保管がなされ、さらに体系立てた展示を誰もが見学できる」というメリットもあります。いまISが支配地域にある美術品・歴史的遺物を破壊するという暴挙に出ていますが、「あくまで美術品保護という観点だけで考えるならば」、イラクよりも先進国に移されていた方が良かったとも考えられるでしょう。

いったい美術品は誰が所有するべきなのか。それをどう判断したら良いのか。この難しい問題を考えさせられる、ひとつのケーススタディとなるのが、今回の映画『黄金のアデーレ』です。

ただケーススタディとはいっても、何らかの答えに導いてくれるものではなく、よりこの問題の複雑さを増す内容なのですが……。簡単にあらすじを述べると、主人公はロサンゼルスに住む高齢の婦人と、駈けだしたばかりの新米弁護士。一見普通の2人が、なんとオーストリア政府を相手取って、超有名な絵画の返還を求める訴えを起こします。その絵画とは、クリムト作『アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像 I』。英語では"Woman in Gold"というのですが、これは映画の原題でもあります。どうして"Woman in Gold"と呼ばれるのか（そしてこの名前が映画にも採用されたのか）にはきちんと意味があるので、ご覧になる方はその辺りも注意してみて下さい。

なぜ主人公たちは無謀とも思える訴えを起こしたのか。実は主人公の一人である82歳の婦人、マリア・アルトマンは、アデーレ・ブロッホ＝バウアーの姪にあたる人物。叔母のアデーレのことをよく覚えていて、その後彼女の家族がたどることとなった凄惨な運命を象徴する存在として、『アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像』を取り戻そうとしたのでした。

いまでこそ『アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像』は名画として、「全人類の宝」的な受け取られ方をしていますが、もともとはアデーレと家族のために描かれたもの。歴史的遺産として共有されるべき名画であることは事実ですが、一方でマリアたちにとっては、かけがえのない家族の宝なわけです。しかもこの絵は、ナチスがオーストリアを占領した際に、ナチスによって無理やり略奪されていました。その後めぐりめぐって、オーストリア政府の所有物としてベルヴェデーレ宮殿美術館に展示されていたこの絵を、いったい誰が所有すべきなのか――簡単には割り切れない問題が突きつけられます。

どうしてマリアがこの作品にこだわるのか、映画では原題（実際にこの論争が起きた2006年頃）と過去（オーストリアがナチスに占領される前後の時期）を巧みに切り替え、マリアの心情を描くことで、彼女が抱いている気持ちを力強く伝えてきます。もちろんこの作品はフィクションとして作られていますので、実際にはマリアがどのような思いで行動したのかは想像するほかないのですが。

実は試写会には山田五郎氏によるトークショーが付いていて、その場で山田さんがこんなことを語られています：

美術作品は美術館で観るものと考えている人がほとんどだと思いますが、美術作品は買うものでもあるんです。ですので、ぜひ皆さんも美術作品を買って楽しんでみてほしい。そうすることで絵の見方も変わってくるし、この映画を観た時の感じ方も違うと思います。

（映画『黄金のアデーレ 名画の帰還』トークショーに山田五郎登壇！熱弁！｜CINEMA TOPICS ONLINE）

現代ではどうしても、芸術作品を「鑑賞」という形で消費することが多く、「アートとは美術館や博物館に展示されているもの」という感覚を受けることが多いと思います。その視点だけから考えた場合、マリアの行動は残念ながら支持しがたいものになるでしょう。しかしこの映画を観ているうちに、芸術作品には極めて個人的な意味が宿ることがあるのだという点に気付かされました。もちろんその個人的な意味が、人類共通の価値を必ず上回るとは限りません。ただそうした個人の思いを無視して、国家が作品を所有し続けるというのも、一種の「略奪」と言えるのではないか。『黄金のアデーレ』は、そうしたもうひとつの視点を与えてくれる作品でした。

僕の妻も絵を描く人で、うちにはお金を出して買った絵画が何点かあります。ポストカードのような印刷物ではなく、作家さんによる肉筆の作品です。それはマリアにとっての『アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像』ほどの強い意味を持つものではありませんが、山田さんが仰るように、「美術館に収められている作品」とは違った意味を教えてくれる存在です。作品のメインテーマとは異なりますが、そうした芸術との新たな付き合い方を考えさせてくれるというのも、『黄金のアデーレ』という映画の価値ではないかと思います。

***

果たしてマリアの訴えはどのような決着を見るのか。実話が基になっているということで、話の筋は変わりようがないのですが、作品を通して観るとこの「結末」にある程度納得できるのではないでしょうか（個人的にかなりマリアに感情移入して観ていたという理由もあるかもしれません）。話の展開もスリリングですし、新米弁護士の成長っぷり？に胸躍る展開もありますので、純粋に娯楽映画としても楽しい作品だと思いますよ。

戦場が居場所になる悲劇――映画『アメリカン・スナイパー』

クリント・イーストウッド監督の最新映画『アメリカン・スナイパー』の試写会にお招き頂いたので、感想などを少し。（実在の人物を描いている作品なので、ネタバレも何もないかもしれませんが、以下映像表現などに関するネタバレを含みます。）

今年のアカデミー賞6部門にノミネートされ、受賞が確実視されているだけに、ストーリーをご存知の方も多いでしょうが、簡単にあらすじを引用しておきましょう。

描かれるのは伝説のスナイパー、クリス・カイルの半生だ。テキサス州に生まれ育ち、少年の頃の夢はカウボーイか軍人。2003年にイラク戦争が始まってから4回に渡り遠征。その常人離れした狙撃の精度は1.9km向こうの標的を確実に射抜くほどだったという。味方からは「伝説の狙撃手」と英雄視される一方、イラクの反政府勢力からは「ラマディの悪魔」と怖れられ、その首には18万ドルの懸賞金がかけられた。

しかしカイルの素顔は、命がけの壮絶な局面でも仲間を一心に守りたい、そして遠い戦地にいながらも大切な家族に良き夫、良き父でありたいと願うひとりの男。戦争の狂気に取り憑かれつつ、故国で待つ家族をこよなく愛する主人公の光と影を生々しく掘り下げる。

ということで、戦争映画です。しかもつい最近の出来事、現在進行形に近い戦争を描いているということで、重苦しい空気を感じる映画でした。ISILによる人質殺害という悲劇に巻き込まれた日本にとっても、ある意味で他人事ではない意味を持つ作品でしょう。

ただ、これは観た人によると思いますが、個人的には「この戦争自体が善か悪か」というテーマ性はあまり感じませんでした。「イラク戦争には大義があった/なかった」という大上段のメッセージを打ち出すよりも、クリス・カイル個人の目から見た体験を描くことが主眼だったように思います。それが結果的に、イスラム側を否定的に描きすぎている、米国を賛美しているだけだ、という反応が一部で出ていることにつながっているのだと思いますが、（そういう反応が出てしまうのは仕方ないとはいえ）それはこの映画が意図しているものとは若干ずれているように感じます。

しかし戦争を肯定しているというわけでは決してありません。クリス・カイルという人物の人生を通じて、戦争の理不尽さを描いています。それが最も恐ろしい形で現れているのが、あらすじにもあるように、4回にもわたってイラクに赴いているという点でしょう。映画ではこの日常と戦場の切り替えを、ドラマチックな映像や音楽などで盛り上げることなく、淡々と時間を進めていきます。彼にとっては日常も戦場の延長線上にしかなく、戦場が日常の延長線上にあることを示すかのように。初めてイラクに派兵されて以降の映像は、どこからが戦場でどこからが日常か、はっきり線引きしません（「これがn回目の派兵」というテロップを入れてはくれるのですが）。

なぜそんな人生を歩むことになったのか。個人的には、カイルが戦場に「居場所」を見つけてしまったということに尽きると思います。あらすじにもあるように、カイルは伝説のスナイパーという称賛を得るほど、類い希な狙撃の腕前を持っていました。カウボーイで食べていくことに迷いを感じていた（ように描かれる）カイルは、戦場で自分にしかできないこと、自分が他人よりも成果を出せることを見つけます。確かにイラクでは死と隣り合わせで、安心していられる場所ではありません。しかし同じ経験を共にし、冗談を言い合える仲間がいる。何より自分が没頭できる仕事がある――それに対して、米国に戻ってきてからのカイルは、ぞっとするほど空虚な表情を見せます。

兵士という役割と、普通の仕事を比べてはいけないかもしれませんが、こうした感情は誰の心にも潜んでいるのではないでしょうか。この仕事は苦しい、あるいは論理的に許されないと頭では分かっていても、そこで自分が求められていると感じてしまうと、なかなか離れることができない。そんな経験をしたことがある方は少なくないはずです。クリス・カイルの場合は、そんな居場所が悲惨な戦場だった。それが何よりの悲劇として感じられました。

いやそれでイラク側の市民はどうなるのよ、そこから逃れられない人々こそ一番の悲劇じゃない？という意見、まったくその通りです。もっとカイルらのやっていることを愚かなもの、あるいは倫理的に許されないものとして描けば、そのギャップからカイルの人生がより無意味なものだったと印象づけることになるでしょう。しかしそこまでは心情的にできなかったというか、この作品がつい作品のイラク戦争を描いたアメリカ映画である以上、無理な話だったと思います。それがこの映画の限界というか、当事者が物語を綴る難しさだったのではないでしょうか。あと数十年先に、あるいはまったく関係の無い第3者が作っていたとすれば、また別の描き方があったのではないかと思います。

ともあれ、いまこの時期に観ておく意味のある作品であることは間違いありません。気軽に楽しめるデートムービー、の真逆にある映画ですが、ぜひ大勢の方々に観てほしいと思います。

映画『イフ・アイ・ステイ』観てきました。

ロボットかモンスターが出てこなければ映画じゃない。故にパシフィック・リム最高！（祝・続編決定！）な僕ですが、ごくまれに様々な理由で恋愛映画を観ることもあります。先日、クロエ・グレース・モレッツ主演の『イフ・アイ・ステイ』の試写会にお邪魔することができ、10月11日の公開に先駆けて観てきました。

■ 『イフ・アイ・ステイ』公式サイト

主人公である17歳の少女・ミアが、ある雪の日に家族とドライブしていた時、突然の事故に巻き込まれ――というシチュエーションから始まる物語。その後、ミアがこれまでの人生を振り返るという形で話が進みます。ネタバレ回避のためにあらすじはここまでにしておきますが、推理小説のようにプロットが命！という作品ではないので、詳しい内容を知ってしまったよという方でも楽しめると思います。

念のため、ここではできる限り物語の詳細には踏み込みません。

僕が恋愛映画を観ないのは、10代の輝かしい時期を（朽ち果てたオッサンになったいまもだけど）モテずに過ごしたので「カップルの幸せな姿なんて見られっか！」という正当な理由によるものですが、この作品は少し空気が違いました。いや、設定だけ見ると共感が難しそうなんですよ。ミアにはチェロの才能があるし、彼氏のアダムはいままさにブレイクしようとしているロックミュージシャンだし（しかも彼の方から告白してくれる）、家族はそんな2人に理解があって、しきりに盛り上げてくれるし――ちくしょう！そんなに順調なわけあるか！！

しかし先ほど触れたように、この物語は「事故に遭った少女がこれまでを振り返る」という設定で描かれます。つまりどんなに幸せな場面であっても、いや幸せな場面であればあるほど、二度と返ることのない夢として辛く心にのしかかるわけで。幸せなのに、どこか重苦しいというやるせなさが漂います。

また過去の幸せだった時期の中でも、主人公はその幸せを実感できていない、という描かれ方をしています。彼氏とは些細なことでぶつかるし、というより初恋なのでつきあい方が分からないし、家族にも意地を張ってしまうし、将来がどうなるかなんて分からないし――事故に遭って、改めてこれまでのことを思い出してみることで、自分が本当は何を手にしていたのかを実感できるという。その意味で、画面で描かれる「幸せだけれど痛いほどに悲しい」という空気は、ミア自身が同時に体験しているものと言えると思います。

やっと気づいた幸せが、もうそこにはない。それでも先へ進むという決断を、仮に下すのであれば、その決断はどこから生まれてくるのか。この映画のテーマのひとつは、そんなところにあるのではと感じました。といっても、「辛いけど前に進もうぜ！てか進めよ！」というような説教映画ではありません。「辛いのなら休むことだって罪ではない」というメッセージも、同時に語られています。物語のラストでミアが下す「決断」も、本当に正しかったのかどうか、はっきり語られることもありません。「決断」が正しかったのかどうかより、どんな思いで決断を下したのか、あるいは下すのか、その辺りの情景に考えさせられるものがありました（ネタバレしないでおきますが、別の登場人物も重要な決断を下していて、個人的にはそちらの方も非常に胸に迫るものがありました）。

というわけで『イフ・アイ・ステイ』、彼氏を見て「ふざけんな！なんだこの完璧超人は！もげろ！」とか、「なにがピチカートだ！フォルテシモとかふざけんな！」とか、まぁ感じてしまうことがあったことも事実ですが。しかし食わず嫌いせずに観ておいて良かった、と思える作品でした。

あと月並みですが、ストーリーがストーリーだけに音楽が素晴らしかったです。サントラ買おっと。

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消すことで見えてくるもの――映画『ゼロ・グラビティ』

久しぶりに、封切り間もない映画を観ることができたので少し。『ゼロ・グラビティ』、昭島の映画館で観てきました。小学生の娘と一緒だったので、吹き替え版の3Dで。

とにかく映像表現が素晴らしいという前評判だったので、かなり期待して行ったのですが――そんな高いハードルを軽々と上回るほどの出来映えでした。僕は幸か不幸か3D酔いはあまりしないタイプなので平気でしたが、人によっては影響があるかもしれません。そしてテーマそのものが「宇宙で遭難する絶望感」であり、その辺りを徹底的にリアルに描いているので、これも人によってはホラー映画以上の恐怖を味わうかもしれません。

そんなリアル感を増しているのが、「余計な映像を入れない」という作り方です。ネタバレになるので詳細は書きませんが、「普通の映画でこのエピソードを描くならこんなシーンを入れるよなぁ」と思うようなシーンが一切ありません。基本的に登場人物は2人の宇宙飛行士、ジョージ・クルーニーとサンドラ・ブロックのみ。上映時間が91分という短さにも、そのストイックぶりが現れているのではないでしょうか。変な表現かもしれませんが、サッカーの試合前後半を、CM抜き・ハーフタイム抜きのぶっ通して見せられているような息苦しさを味わいました。

一方で、「これといったストーリーがない」という批判がある理由も何となく理解できます。確かに生中継的な作り方というか、ワイドショーでスポーツを扱う時のような「ここで○○選手の秘蔵VTRを紹介しましょう！」的な場面展開を禁じてしまえば、ストーリーに深さを出すのは難しくなるでしょう。ただ、個人的にはサンドラ・ブロック演じるライアン・ストーン博士に非常に感情移入することができました。これもネタバレになるのであまり言いませんが、語られることが少ないながらも、彼女の心理描写にひどく共感できる部分があったというか。彼女とマット・コワルスキー（ジョージ・クルーニー）が交わす会話に、不覚にも涙してしまいました。

ということで、気になっている方は次の連休で必ず観に行きましょう。最後まで観れば、邦題を『ゼロ・グラビティ』にしてしまったことになぜ批判の声が多いのか、はっきりと分かるはず。ちなみに原題は『グラビティ』。うーん、いろいろ意図はあったのでしょうが……個人的には原題の方が、この映画にさらなる意味を与えてくれると思います。極端に言えば、これ主題をひっくり返しちゃってると思いますよ。もっと極端に言えば、登場人物を一人消しちゃってるぐらいというか……ともあれオープニングがどんな言葉で始まり、ラストがどんな言葉で終わっているか、よく観てきて下さい。

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「続編はつまらない」はどこまで真実？

「続編の映画には期待しない方がいい」というのは、多かれ少なかれ誰もが感じていることではないでしょうか。これがどこまで真実だと言えるのか――実際に比べてみたグラフが登場しています：

■ The Sequel Map – Which Sequels Were Better or Worse Than the Original? (BoxOfficeQuant)

とりあえず、そのグラフというのがこちら。かなり大きなファイルなので、ダウンロードして拡大・縮小ができる画像ソフトで閲覧した方が良いかもしれません：

念のため見方を説明すると、プロットされている青い丸は個々の続編映画（例えば『マトリックス・リローデッド』や『ダークナイト』など）を示しています（丸の大きさは米国内での興行収入を示しているようですね）。で、"Sequel"（続編）と書かれている方の軸は「続編のRotten Tomatoes上での評価点」で、"Original"と書かれている方の軸は「オリジナル作品のRotten Tomatoes上での評価点」。Rotten Tomatoesというのは米国の著名な映画批評サイトで、評価点が高ければ高いほど好意的なレビューが寄せられている作品だと思って下さい。つまり単純に言ってしまえば、グラフ中央の点線より上にある作品は「続編の方が評価されているシリーズ」であり、下にある作品は「続編がつまらなかったシリーズ」であると。

それでは「続編はつまらない」という感覚がどこまで正しいものかといえば……残念ながら明らかに点線の下にある作品が多そうですね。もちろん「評価」という感覚的な行動を、1つのサイト上での結果に基づいて数値化しているという点で、このグラフが科学的なリサーチに基づいたものであると言うのは若干無理があるのですが。それでもこの結果は、私たちが続編映画に抱いている疑惑を立証する1つの証拠と言えるのではないでしょうか。

ただし点線の右端にある作品、つまりオリジナルも続編も共に高評価だった作品というものも少なくないことがこのグラフ上から見て取れます（『ダークナイト』や『トイ・ストーリー2』など）。この点は逆に希望を抱かせる結果かもしれませんね。『トイ・ストーリー3』なんて最高に泣けたし！（これが言いたかっただけ）

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……まぁオリジナルが大ヒットしたのに、続編が大コケした作品（グラフ上で真下に近いところに位置している作品）、例えば『スピード2』なんて例もあることは事実ですが。

『トロン』の革新性を再認識させられる『トロン：レガシー』

AMNさんから『トロン：レガシー』の鑑賞券をいただき、今日ようやく観てくることができました。ということで、ごくごく個人的な感想を少し。

恐らく説明は不要だと思いますが、本作品は映画『トロン』（1982年）の続編となります。一部にカルト的な人気を誇る（つまり興行面ではあまり成功しなかった）『トロン』が28年の時を超えて復活するということで、ニュースを聞いたときから公開が待ち遠しかったという方も多いでしょう。僕もその一人だったのですが……感想としては、ちょっと微妙なものとなってしまいました。

いや、確かに映像は素晴らしいものでした。Daft Punkの音楽をバックに展開されるアクションシーンや、ライト・サイクル（上の写真に写ってるバイク）が登場・疾走するシーンなど、気合いの入った映像美を堪能することができます（残念ながらあまり3Dである必然性は感じなかったけれど）。これが『トロン』の名前を被せた作品ではなく、ハリウッドSFX超大作！！的な心構えで臨める作品であれば、単なる娯楽作品としてスッキリ楽しめたことでしょう。

ではなぜ『トロン』の続編として観た場合には微妙になってしまうのか。それを整理するためには、前作『トロン』がなぜ特別な作品として位置づけられているのかを考える必要があると思います。

個人的な意見になってしまうかもしれませんが、『トロン』が（たとえカルト的にでも）評価されている1つの理由は、その革新性というか、未来性にあったと考えます。この点について、パンフレットに的確な解説があったので少し引用してみましょう：

1982年、1本の未来志向の映画がディズニーから生まれた。当時、CMやアニメーションの世界で活躍していたスティーヴン・リズバーガーが自ら企画を持ち込んで映像化にこぎつけた『トロン』である。商業映画の世界には素人でありながら、ゲームなどコンピューター映像への開発に情熱を燃やしていたリズバーガーは、2年をかけてパートナーのドナルド・クシュナーとテクノロジーを開発、膨大な量のコンピューター3次元映像を作品に挿入、「史上初のCG映画」とまで宣伝されたまったく新しい感覚の作品に仕上げた。その物語はひとりの天才プログラマーが、自分の開発したゲーム・プログラムが盗まれた証拠を手に入れようとサイバースペースに侵入し、そこに息づくプログラムたちとのサバイバル・ゲームを繰り広げるというもの。しかし、当時はビデオゲームが出はじめたばかりで、一般にパソコンはまだ縁遠く、「プログラム」や「ビット」という、いまではごく当たり前になった言葉すらほとんど知られていなかった。この作品に興味を示した観客は少数で、映画は興行的に失敗に終わったのだった。

さらに立体映画研究家の大口孝之さんが、次のような解説をされています：

この映画の前作に当たる『トロン』（82）が公開された当時、その意味するものをちゃんと理解できた人はほとんどいなかった。まだ個人がコンピューターを持つ時代ではなかったから無理もない。そのシナリオを書いたひとりであるポニー・マクバードは、当時世界最先端を走っていた研究所を取材して回り、多くのコンピューター・サイエンティストの助言を得ている。ちなみにマクバードは、取材中に知り合ったゼロックス・パロアルト研究所のアラン・ケイと結婚している。ケイは、現在のパソコンの概念となった「Dynabook」（東芝のノートPCとは無関係）を考案した人物だ。

こうして『トロン』には、天才科学者たちのアイデアがふんだんに取り込まれた。その核となった概念は、コンピューター内のプログラムたちにも人間のようなキャラクターがあり、その一部がユーザー（人間）の意志を離れて暴走していくというものである。このアイディアは、サイバーパンク小説や映画『マトリックス』（99）などに結実していった。さらに現在では、メタバース（インターネット上の仮想世界）内で生活するアバター（分身）たちや、医学や進化生物学で用いられるAライフ（人工生命）、日々進化を続ける困り者のコンピューター・ウイルスなど、『トロン』的な世界は日常的風景となっている。

後にアラン・ケイの奥さんとなる人物がシナリオを書いていたとは！『トロン』が当時誰も想像していなかった世界を描き、それ故に興行面での成功を収められなかったのも、ある意味で当然かもしれません。

しかし大口さんが的確に指摘されているように、『トロン』的な世界はその後様々な作品で模倣され、さらに28年後の現在、ある意味で「日常的風景」となったと言えるような状況が出現しています。従って、単に続編を作っただけでは『トロン』という映画に期待される革新性を再び生み出すことはできません。ところが『トロン：レガシー』は逆に、あまりに忠実に『トロン』のリメイクを作ろうとしてしまったのではないか――うまく表現できませんが、そんな複雑な心境になってしまいました。

若干ネタバレになってしまいますが、この作品の舞台となっているのはスタンドアロンの世界であり、ネットワークは登場しません。それも残念だった点の1つで、仮に旧『トロン』と同じアプローチでシナリオが創られていたとしたら、ネットワーク化されたコンピューター世界の未来像が描かれていたんじゃないかなーなどと勝手な感想を抱いています。あ、でも、ヒロインのオリヴィア・ワイルドは可愛らしくて一見の価値ありかも（笑）

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